"Notre musique fonctionne comme une sorte de monde parallèle"

"Plutôt qu'apocalyptique je dirais que notre album est chaotique"

On va parler de votre musique, j'y tiens. Mais avant toute chose j'aimerais qu'on parle image. Ca a l'air important pour vous l'image. En allant sur votre Myspace j'ai vu que aviez déjà réalisé 5 vidéos clips.
Samuel : On voit juste ça comme l'occasion de s'amuser un peu...

Ça ne vous intéresse pas plus que ça de faire des clips ?
Samuel : Non, honnêtement, pour nous ce n'est pas quelque chose de nécessaire, si on le fait c'est plus parce que notre label juge nécessaire d'en faire. La plupart de nos clips ne disent rien que nos ne chansons ne disent déjà, c'est juste des idées visuelles...
Andrew : On est d'ailleurs déçu de certains de nos clips.

Lesquels ?
Andrew : "Space and the Woods" est notre plus grosse déception. Il a été réalisé par Ian Emes, un type qui a beaucoup travaillé sur l'identité graphique de The Wall de Pink Floyd. En fait on voulait quelque chose d'assez arty pour refléter le fait qu'on utilise du vieux matos. Mais il a dit : "Je peux faire votre clip, j'en ai vraiment envie, mais j'ai besoin de 6 mois". Là-dessus notre label a dit : "Ok, mais tu as une semaine !"

Je vois le hic. Comment connaissiez-vous son travail ?
Andrew : On avait vu certaines de ses vidéos. Et puis on connaît sa fille qui fait elle-même des films d'animation. Un jour on lui a donc demandé si on pourrait rencontrer son père...
Samuel : Le travail autour de notre image, on prend ça comme l'occasion de nous amuser. As-tu vu le clip de "Focker" ?

Oui.
Andrew : On a fait ça avec très peu de moyens et c'était fun !
Ross : En comparaison, "Space and the Wood" a coûté 4 fois plus cher. Ca restait marrant à faire mais moins que "Focker" parce que lorsqu'il y a beaucoup d'argent en jeu, ça gâche le plaisir. Sur "Focker" il n'y a pas d'effets spéciaux, on a fait avec deux francs six sous. Andrew : Le montant qu'il y a sur ton compte en banques (rires) !

Qui a réalisé le magnifique robot en carton qu'on voit dans le clip de "Focker" ?
Andrew : C'est Dan Brereton, le réalisateur du clip. Il a dessiné le robot et c'est une fille dont je ne me rappelle plus le nom qui l'a construit. Et c'était fantastique. Le robot est animé par un type qui porte ça comme un déguisement et à la fin du clip il nous tabasse pour de vrai !
Sam : À chaque fois qu'on fait un clip on se fait maltraiter ! Pour celui de "The Bears Are Coming" on a dû se lever à 5h du mat' pour marcher dans la forêt et pour "Focker" on a passé une journée entière enfermé tous les quatre dans une petite pièce à devoir gigoter comme des fous et nous jeter littéralement sur nos instruments et contre les murs. En plus il y avait de la fumée. Ah, cette fumée ! Moi qui suis quasi asthmatique, je n'en pouvais plus. Et il fallait sans cesse qu'on refasse les scènes.

Y a-t-il une sorte de message dans le fait que ce robot vous tape, vous musiciens, vous humains ?
Andrew : Tu veux dire un message genre les hommes contre les machines comme il y en avait dans la science-fiction des années 60-70 ? Non, ce genre de choses c'est daté. C'est comme l'aéroport Charles de Gaulle. A l'époque son style architectural devait être jugé moderne et tout mais maintenant c'est daté. Mais ça reste tout de même beau, fascinant en un sens. Parce que les choses peuvent être simples, datées et frapper encore l'esprit.
Sam : Comme ces vieux films de SF : Le Mystère Andromède, 2001 Odyssée de l'espace, Solaris...

Dans le clip de "The Bear Are Coming" vous jouez avec les initiales de votre nom de groupe, le L, le O, le T et le P, comme si c'était des symboles ésotériques, mystiques. Ca m'a fait penser aux pubs que faisait Playstation il y a quelques années. Elles déliraient pareillement autour des 4 symboles de sa célèbre manette.
Samuel : C'est vrai qu'on les aborde nous aussi comme une sorte de schéma combinatoire un peu mystérieux. Notre logo est une fusion de ces 4 lettres. Ça donne quelque chose d'assez organique, sexuel...
Andrew : D'ailleurs on a dû avoir cette idée en regardant un film de cul (rires) !

Qui est l'auteur de votre logo ?
Andrew : C'est Samuel.

Moi quand je le regarde j'ai l'impression que la manière dont s'emboîtent le L, le O, le T et le P former un flingue !
Samuel : Un flingue ?!
Andrew : Ce n'est pas faux, mais alors un flingue tout zarbe dont on se demande comment il pourrait fonctionner

Un flingue de SF !
Andrew : Oui, forcément ! As-tu vu Krull ?

Non.
Andrew : C'est un vieux film d'aventure SF. Notre logo-flingue pourrait très bien s'intégrer dans ce genre de films où les héros ont tout un tas d'armes bien tordues ! On a un autre logo où les initiales de notre nom de groupe forment un triangle. L'idée de ce genre de logo c'est de permettre de mieux nous identifier et voilà, nous on va sortir notre deuxième logo pile poil au moment où les gens auront commencer à nous identifier avec notre premier logo (rires) !

Le style graphique de vos logos me fait penser au travail de Druillet, un dessinateur de SF français des années 70. Voici un recueil de certains de ses dessins.
Andrew : Wouah ! Ca ressemble à ce que fait Roger Dean, un artiste anglais de la même période qui a entre autre illustré des pochettes de Yes.

Alors ça te plait Druillet ?
Andrew : Carrément ! J'aime ce genre de BD, d'univers, je suis un gros geek. C'est pour ça que j'aime la scène musicale française. Beaucoup des groupes français que j'ai rencontré sont de gros geeks, comme l'est Erol, notre producteur. Erol, c'est juste un gros geek, un fou de musique. En ce moment nous tournons avec Breakbot, un parisien dont certains des morceaux sonnent un peu comme ce que fait le label Ed Banger, très disco, très cheesy. Et Breakbot, c'est aussi un gros geek. La musique et les geeks font bon ménage.

Et donc les geeks que vous êtes ne se préoccupent pas plus que ça de peaufiner l'univers visuel de leur groupe ? Quand on forme un groupe de musique et qu'on est des geeks j'imagine qu'on a toujours la tentation de proposer plus que de musique mais un véritable univers multimédia...
Samuel : Nous avons en effet plein d'images en tête, mais comme notre but c'est de déclencher l'imaginaire et qu'on estime que notre musique génère déjà en elle-même des images dans la tête des gens, on pense qu'on pourrait s'abstenir de faire des clips. Surtout que c'est dur de faire un bon clip. La plupart du temps quand tu en fais un tu dois te battre pour ne pas être redondant avec les images que la musique évoquent toute seule. En même temps tu dois réussir à ne pas être trop ambitieux, à ne pas vouloir exprimer avec le clip tout ce que tu as déjà voulu exprimer avec ta chanson, parce que voilà, ce n'est qu'un clip, il doit venir compléter la chanson. Or nous nous si on voulait vraiment être à la hauteur des images qu'on a en tête il nous faudra des budgets de fous, ce qu'on n'a pas, et ce ne serait peut-être plus des clips à l'arrivée mais des mini films. Peut-être qu'un jour on fera des films...

Votre The Wall !
Samuel : Peut-être pas aussi politique...
Ross : Quelque chose de plus arty et décalé à la Monty Python peut-être !
Samuel : Oui, mais voilà pour l'instant on fait de la musique et dans l'absolu, si on avait le choix on préférerait ne faire que de la musique et laisser l'imagination faire son travail parce qu'elle est plus puissante que n'importe quel clip.
Andrew : Notre musique fonctionne comme un monde en soi, une sorte de monde parallèle. Je pense que les réalisateurs sont conscients de ça et qu'ils le transcendent à travers leurs clips. C'est ce qu'a fait Saam Farahmand avec le clip de notre morceau "The Bears Are Coming" comme il l'a fait pour le clip de "Feedback", le dernier single de Janet Jackson
Sam : C'est étrange de parler du regard des gens alors que nous nous adressons plutôt à leurs oreilles. On est tellement immergé dans notre musique, son univers, que lorsqu'on en sort on est un peu étonné d'être perçu comme un groupe multi sensoriel. De voir que les gens captent eux aussi un peu de ce monde parallèle dans lequel nous baignons. Mais c'est bon signe, ça veut dire qu'on touche les gens sur plusieurs plans, auditifs, visuels, etc. On est super content de réussir ça à une époque où il est très dur de captiver les gens parce qu'ils sans cesse stimulés par 36 000 choses à la fois...

Là-dessus votre musique semble jouer la carte de la surenchère. Hyperactive, instable, elle incorpore telle un mash-up plein d'éléments en perpétuel changement. D'ailleurs en l'écoutant, je me suis à échafauder une hypothèse à son sujet et vous allez me dire ce que vous en penser. Mon hypothèse c'est que votre musique est le reflet d'Internet et de la manière dont il bouleverse les codes musicaux. Comme Internet votre musique est emphatique, boulimique, elle zappe et mélange tous les genres dans un même mouvement. Et je me disais donc qu'en un sens Internet agissait peut-être sur votre musique comme le LSD avait agi sur celle des Beatles à la fin de leur carrière, en la rendant monstrueusement psychédélique. Qu'en pensez-vous ?
Andrew : C'est une hypothèse intéressante mais à vrai dire nous ne sommes pas de gros utilisateurs d'Internet. On ne télécharge pas des tonnes de disques. Internet, on voit juste ça comme un outil générationnel, un truc qui à un moment nous a permis de mettre des démos de nos chansons en ligne.
Sam : Aujourd'hui Internet est dans tous les foyers, et c'est utile lorsque comme nous tu habites un petit village, car ça te permet d'écouter plein de choses, d'élargir ton horizon.
Samuel : Mais en même temps notre imagination n'a rien à voir avec Internet. A la limite, elle a plus à voir avec le fait de s'asseoir en plein milieu d'un champ. Enfin je dis ça mais en fait je trouve qu'un champ c'est aussi ennuyant qu'Internet. Tout ça c'est pareil. Et nous, tout ce qu'on fait on le fait pour lutter contre l'ennui.

Andrew, tout à l'heure tu évoquais l'écurie Ed Banger. Je trouve qu'il y a une sorte de lien entre votre album et celui de leur groupe phare, Justice, car vos deux disques véhiculent un côté odyssée ou opéra électro rock, comme s'il titillaient la notion de concept album.
Andrew : Vous ne pouvez pas dire ça en France, c'est un gros à ce qu'il parait !

La notion de concept album ?
Andrew : Oui !

Ça dépend avec qui tu causes !
Andrew : Je ne pense pas que notre album soit un concept album parce qu'il n'est soutenu par aucun concept précis. Il y a plusieurs petits concepts mais il n'y en a pas un gros.

Mais votre album raconte une histoire, non ?
Andrew : Si c'est le cas, c'est un hasard ! C'est juste que lorsque nous avons fini ces morceaux nous nous sommes demandés comment les organiser ensemble pour qu'ils forment un tout cohérent.
Samuel : Le truc aussi c'est que la plupart de ces morceaux datent d'il y a 4 ou 5 ans. Ils sont comme les différentes facettes d'une même histoire qui serait l'histoire de notre évolution en tant qu'individu, l'histoire de notre devenir en tant que jeune adulte, l'histoire de l'excitation qui nous habite encore en tant qu'adolescent et de toutes les émotions qui vont avec. Enfin, je ne sais pas. Cet album est si riche que je crois qu'on peut y voir ce qu'on veut.

J'ai l'impression que cet album sonne comme une apocalypse, mais une apocalypse grotesque, hédoniste...
Andrew : ça m'étonne toujours que les gens trouvent que notre album soit apocalyptique. C'est juste qu'il sonne comme la fin de quelque chose et le début de quelque chose d'autre.
Sam : Peut-être aussi qu'il reflète malgré lui cette période crise et de chaos dont on parlait tout à l'heure. Plutôt qu'apocalyptique je dirais donc de notre album qu'il est chaotique.

"L' intérêt d'aujourd'hui ne connaît que l'intéressant. Et intéressant veut dire : ce qui permet à l'objet en question de redevenir indifférent l'instant d'après et d'être remplacé par un autre qui nous concerne tout juste aussi peu que le premier. Aujourd'hui l'on estime souvent honorer beaucoup une chose en la jugeant intéressante. En vérité, un pareil jugement abaisse la chose intéressante au niveau des indifférentes et il la repousse parmi celles qui bientôt seront ennuyeuses." Voilà comment en 1952 Heidegger définissait ce que des années plus tard le NME nommerait "the next big thing", soit, en français, "la nouvelle sensation". Cette année, dans cette catégorie, nous avons eu Vampire Weekend et MGMT dont je vous ai déjà parlé. Place maintenant au cas Late Of The Pier.

Ces 4 anglais réunis depuis 2005 sous la bannière LOTP ont été buzzés comme pas permis en amont et en aval de la sortie en août de leur premier album, Fantasy Black Channel. Parce qu'ils sont jeunes, mignons, facétieux, que leur musique, gonflée et composite, revêt, en apparence, les attributs d'un phénomène sans précédent, et que voilà en Angleterre ça fait des décennies qu'on ose signer de gros chèques à des post pubères pour qu'ils montrent au monde ce qui se passe dans le corps et l'âme de sa jeunesse par la voie de guitares, basses, batteries. On appelle ça la pop ou le rock. 50 ans ont passés et tout cela nous reste globalement étranger. En France je veux dire. Tout ça pour dire que cette histoire de « next big thing » est lourde de soupçons pour notre beau pays qui a toujours su habilement distinguer l'art du bizz. Alors quand ces LOTP débarquent auréolés du statut de "next big thing" je me méfie. Je me dis qu'on cherche encore à nous faire passer des morveux pour des Mozart post-moderne. Parce que en plus leur dossier de presse les présente comme la relève du "phénomène" 2007, à savoir les Klaxons. Et vous vous rappelez de ce groupe et de leur soi-disant "nu rave" ?

J'aurais donc pu en rester là, campé sur mes a priori et sortir plumes et goudrons, excité de tenir une belle baudruche marketing justifiant le passage à tabac. Mais je devais reconnaître que la première écoute du disque, si elle ne m'avait pas tout à fait convaincu, ne m'avait pas non plus laissé indifférent. J'avais pris un certain plaisir à me faire chahuter par cette sorte de mash up musique épique et hyperactive évoquant tout à tour Queen, Bowie, Muse, Marylin Manson, Justice, Daft Punk, Gary Numan, Slades, Sex Pistols, Of Montreal et même Ima Robot, des américains qui avaient fait sensation fin 2003 avec un premier album éponyme sous estimé qu'on trouve aujourd'hui pour une boucher de pain chez les disquaires d'occasion. J'ai donc réécouté l'ovni. Et passé le vertige du premier contact, au fil des écoutes j'ai découvert que tout ce bazar trash, cosmique, dark et cheesy s'emboîtait. Je ne voyais plus les briques, mais le mur. En un mot j'ai vu les chansons émerger. Je ne savais toujours pas par quel côté les prendre, mais une chose est sûre : elles me prenaient de tout côté, me fracassant la tête et donnant furieusement envie de me démembrer sur un dancefloor. Dans sa fusion d'emprunts plus ou moins inconscients à la grande mémoire pop, du hard au glam, de l'electro au psyché, c'est comme si la musique des LOTP fonctionnait à l'image du web 2.0., faisant tourner des algorithmes en surchauffe, zappant sans fin entre tout et son contraire. Je leur ai d'ailleurs exposé cette théorie en interview. Trop performative, démonstrative, orgiaque, cette musique n'est donc pas destinée à être écoutée en boucle, mais dans son élan fourre-tout a quelque chose d'euphorique et de salvateur. Car, pardon du jeu de mots, mais il fourre, nique et n'est-ce pas parfois le propre de "l'art" de déborder sauvagement de formes et de couleurs ?

Je ne tomberais donc pas dans le piège de mépriser la musique des Late Of The Pier. Au-delà du déballage théorique, j'aime son foisonnement, maladresses et fulgurances incluses. Bien sûr on pourra toujours me dire qu'elle est jeune, naïve, qu'elle fait partie du Spectacle avec un grand "S" et alors ? Elle n'est le Spectacle. Dernièrement j'ai lu dans Libé un article éclairant à ce sujet. Il parlait de Jacques Rancière, à l'occasion de la publication de son dernier livre, Le Spectateur émancipé. Le "mouvement de pensée" de ce philosophe a toujours consisté à prendre "le parti des ignorants, des incultes, des incapables et de tous ceux qui sont décrétés tels". Et il disait qu'il faut sortir de la critique facile du spectacle parce que "la critique du spectacle est un maillon du spectacle". "Le problème n'est pas d'opposer la réalité à ses apparences. Il est de construire d'autres réalités". Enième "next big thing" par la force des choses, LOTP s'y essaie. The show must go on.

Après deux albums biberonnés au rock de stade écoulés à plusieurs millions de copies et un album d'inédits et de faces B, les Killers entament le deuxième chapitre de leur jeune carrière. Sur Day & Age, assistés par le producteur du Confessions on a Dancefloor de Madonna, ils s'aventurent cette fois dans un pan plus dansant et minimal des eighties. Mais tuent-ils toujours ?

Depuis quelques années, disons 3 ans, après essoufflement de la vague du "retour du rock", une autre lame de fond, plus profonde, s'est mise à traverser et reformater le rock. L'effet Damon Albarn et Gorillaz ? Timberlake et Timbaland ? Myspace et YouTube ? Plein de groupes se sont ouverts à d'autres sonorités. En 2006, Muse, qui déclare vouloir faire un morceau mêlant R&B et opéra italien pour sur son prochain disque, avait sorti un single très disco-funk-Prince et un album étonnant aux sons proches d'ABBA. On a ensuite retrouvé cet axe "synthé cheap dancefloor" chez MGMT, Keane et Kaiser Chief. Le prochain Franz Ferdinand devrait lui aussi s'inscrire dans cette veine et intégrer des guitares maliennes. Car voilà d'un autre côté on a également pu observer une percée de la vibe africaine chez d'autres groupes, tels Thee Stranded Horse, Syd Matters, Yeasayer, Dirty Projectors, Vampire Weekend et même Coldplay. La bande à Chris Martin a aussi collaboré avec Jay-Z. Les Kaiser Chiefs voudrait à leur tour collaborer avec Jay-Z. Après avoir produit les Hives, Pharell Williams souhaiterait produire les Strokes. Chris Cornell a fait appel à Timbaland. Kayne West a collaboré avec Daft Punk. Muse a collaboré avec The Street. The Script est présenté comme "la rencontre de U2 et Timbaland". Bref, on ne compte plus les alliances de ce genre, qui montrent une chose : les lignes bougent. Le rock se débride et rompt avec son dogme "indie", son côté cuir serré, blanc de chez blanc. Malgré un disque psyché-folk signe d'un certain changement, seul Oasis refuse de collaborer.

Le rapport avec le nouveau Killers ? Il s'inscrit en plein dans ce contexte. Oui, même le combo de Las Vegas qu'on savait fièrement campé sur sa tambouille tubesque à base de U2, Queen, Duran Duran, Cure, Bruce Springsteen, New Order et Depeche Mode, même ce vénérable tribute band qui s'ignore a changé son fusil d'épaule. D'ailleurs, si coupé du monde moderne on n'avait pas eu vent du single "Human", déjà très révélateur, en soit, d'une certaine réorientation musicale, quand on voit la pochette de Day & Age on est d'emblée mis au parfum qu'il y a de la nouveauté dans l'air. Elle dévoile un décor impressionniste aux couleurs pastels, un paysage lunaire à cheval entre jour et nuit, entre "Jingle Bells" et savane africaine. On comprend alors qu'on a quitté l'imagerie anglosaxone développée sur Hot Fuss et Sam's Town. Enclenchée dans le lecteur, l'écoute de la galette confirme : les Killers nous conduisent bel et bien dans un voyage vers d'autres facettes d'eux-mêmes. A la première écoute on sera étonné de les voir jouer un rock tropical à la Wham!/Philippe Lavil ("Joy Ride", "I Can't Stay"), étonné encore de les voir verser dans l'euro-dance à la ABBA/Madonna ("Human", « The World We Live In »). On sera aussi quelque peu rassuré de découvrir qu'ils fournissent encore du Killers tout craché, des morceaux synth-rock où parle leur amour des cuivres à la Cure ("Losing Touch"), de la basse à la New Order ("Spaceman") et de l'élan théâtral à la Queen ("A Dustland Fairytale", "This Is Your Life", "Neon Tiger"). Et à la fin on sera de suite conquis par la lente avancée noire, glaciale et stellaire d'un "Goodnight, Travel Well" en forme d'apothéose parfaite. Mais au fil des écoutes on jubilera de s'apercevoir que tout s'enchaîne sans heurts et que Day & Age n'est pas moins bon que ses prédécesseurs.

The Killers ne s'est jamais considéré comme un groupe d'indie rock. David Keuning, le guitariste, le confirme en interview (interview bientôt en ligne). "Glamorous Indie Rock'n'roll" n'était qu'une blague, dit-il, au cas où on ne l'aurait pas compris (personnellement je n'avais pas compris). Après avoir crâné à coup de gros riffs à la Brian May/The Edge, le mormon Brandon Flowers et ses acolytes osent maintenant exhumer les strates les moins "rock'n'rollement correct" de leur ADN eighties. Au-delà de ça le groupe continue de faire ce qu'il sait faire : exulter sa foi pop et son allant mélodique. Et, une fois n'est pas coutume, on mord à tous les hameçons, aux plages tchik tchiky boum qui donnent envie d'onduler de la tête, des épaules et des hanches comme aux scies dance taillées pour le concours de Eurovision. Les morceaux "new look" partagent avec les "anciens" un son lifté, dégraissé du côté bourrin qui caractérisait Hot Fuss et Sam's Town. Cette cure d'amaigrissement est le fruit de la production de Stuart Price, aka Jacques Lu Cont des Rythmes Digitales, un collaborateur de longue date des Killers puisqu'il a signé les remix de "Mr. Brightside" et "When You Were Young". En gros, tout change pour que rien ne change. The Killers reste l'ultime groupe du plaisir honteux. Et mince, c'est bon la honte.

(Suite.)

"si j'avais à critiquer Manset... "

"me lobotomiser une part du cerveau"

Sur Manitoba on a l'impression que se dévoile un Manset plus fragile, plus humain...
J'ai toujours peur... Comme je suis au centre de tout et que je maîtrise tout, c'est compliqué mes trucs parce que le moindre détail peut faire basculer l'édifice. Ce n'est pas le cas des autres chanteurs qui avancent à l'aveugle parce qu'ils sont pieds et poings liés avec tel arrangeur, tel preneur de son, tel ingénieur, tel studio...

Vous c'est la prise de tête permanente...
C'est ça, la prise de tête permanente. Parce que je peux jouer de tous les leviers ! C'est comme si j'étais aux commandes d'un 747 et que je pouvais appuyer sur n'importe quel bouton et ça monte, ça descend. Prenons"Genre humain". J'allais dire : ce titre je ne peux pas le faire si je n'ai pas les cordes. C'est les cordes qui font le sirop qui font exister cette histoire, c'est les cordes qui font qu'on est dans le rêve à moitié éveillé. Mais j'allais dire aussi : ce titre je pourrais très bien le faire sans les cordes. Je serai Dylan, je le ferai sans les cordes. Et si je le fait sans les cordes ça veut dire qu'il me faut d'autres musiciens. Et ça veut dire que la session est beaucoup plus à risque parce que là on va entendre les fragilités. C'est casse-gueule. Mais voilà, je serai sur scène, je n'hésiterai pas à faire sans. Mais je suis en studio, et on n'est plus dans les années 70, on est dans le numérique et rien ne sonne aujourd'hui, alors je balise. Oui, c'est une histoire de balisage. De crainte permanente. Alors je sécurise le truc avec des oreillers, des plumes, une sorte de sirop qui va m'assurer la stabilité finale de l'ensemble. Mais c'est vrai que j'aimerais bien faire autrement. Si j'avais les studios, si j'allais à Londres, si j'avais les musiciens qu'il fallait, si je passais beaucoup de temps, mais je ne passe jamais beaucoup de temps en studio.

Vous pourriez vous éterniser en studio ?
Oui, j'ai les budgets mais je suis trop dans l'inspiration à l'état brut, j'ai besoin que ça se fasse tout de suite dans une sorte de coït immédiat. Je n'ai jamais refait un titre. Donc il faut qu'il sonne tout de suite. C'est très compliqué. La réalité, s'il y a un prochain album, c'est qu'il faudrait peut-être que j'ai un producteur. Mais il y a deux problèmes à ça. Primo, il faudrait que je change mes conditions contractuelles. Deuxio, je n'ai confiance en aucun producteur. Quand je vois le dernier Julien Clerc, je n'ai pas envie d'avoir un album produit par un quelconque Benjamin Biolay. Pour moi sa production ne va pas assez loin. Et je lis que tout le monde a l'air d'aimer ça. C'est une histoire de fossé générationnel, mais voilà dans la musique actuelle, il y a un côté bancal qui me dérange.

Justement, c'est sans doute à ce fossé générationnel qui en même temps nous unit et nous sépare, mais sur Manitoba j'ai eu du mal à me faire à certains choix de production comme, par exemple, ces chœurs gospels sur "Comme un lego". Pour moi, ils sont kitsch et alourdissent le morceau.

Ah, moi je voulais un vrai gospel américain. Mais oui, c'est peut-être une histoire de génération parce que la majorité des gens aurait tendance à préférer ma version à celle d'Alain.

Ah oui ? Moi je préfère sa version, musicalement plus sobre, plus nue.
Vocalement, elle diffère aussi de ma version. Alain a une voix magistrale, un timbre émouvant, et son phrasé est plus moderne que le mien. Moi j'ai un phrasé désuet, je dis les "e", ce qui fait chier tout le monde. J'allais dire : comme Cabrel. C'est vrai mais Cabrel vend mieux que moi. Alain, lui, a un phrasé brut de décoffrage. On rejoint donc ce côté bancal que je décris dans la musique actuelle. Aujourd'hui les jeunes chantent un peu n'importe comment. Même quand ils chantent bien ils s'arrangent pour chanter mal. Pour moi c'est une anomalie critiquable. Et Alain est dans ce registre. C'est-à-dire qu'il ne réfléchit pas trop.

Son chant a quelque chose de funambule.
Oui, il y a un côté funambule !

Dernièrement je l'ai vu sur scène et j'ai été sidéré par ses appuis vocaux à la fois totalement improbables et totalement géniaux.
Voilà. Donc c'est peut-être ça que les gens voudraient que je fasse. D'ailleurs, moi, en tant que producteur, me voyant de l'extérieur, si j'avais à critiquer Manset sur la manière dont il peaufine ses albums, ce que je dirais c'est qu'on aimerait qu'il y ait de temps en temps des fragilités, des cassages de gueules, des trucs inattendus...

Des accidents.
Voilà, des accidents ! Et non, tout est pratiquement lisse.

Vous n'arrivez pas à vous laisser aller aux accidents ?
Je n'aime pas. Parce que j'entends. Je pense que la différence avec les autres c'est qu'ils n'entendent pas. Alain n'entend pas. Quand il a un cassage de gueule il ne l'entend pas.

C'est un atout, non ?
Ah, je ne sais pas. Si c'est un atout c'est parce qu'on est dans une époque où, pour une question de démagogie, les gens veulent la fragilité. Ils veulent se sentir proche. C'est pour ça qu'ils ont aimé Gainsbourg. Ils voulaient un artiste fragile.

Ils voulaient Gainsbarre.
Voilà, le côté proche du pékin moyen. Moi je ne suis pas dans ce registre-là, j'essaie de toucher au magistère. Encore une fois, moi mes maîtres c'est Poussin, c'est Zola, c'est Hugo, des gens qui font chier tout le monde. Moi c'est ça. Mais c'est aussi Springsteen. Comme Obok j'ai enregistré Manitoba dans les conditions du live. Et si ce disque était en anglais, imaginons qu'il le soit, à mon avis il n'y a pas de problème ce serait au moins du Springsteen.

Ah oui ?
Oui, on ne se rend pas compte parce qu'on est en français.

Vous avez envie d'écrire en anglais ?
Peut-être que je le ferai parce qu'on en a un peu marre de faire des trucs que seuls les germanopratins comprennent. Dernièrement en voyant Springsteen en concert je me suis dit qu'il n'y avait que le rock qui valait le coup. Et que j'ai du matériel comme ça, net, carré, simple. Il faut prendre les musiciens adéquats et ça tombe bien, j'ai un ami de longue date qui serait parfait pour ça. D'ailleurs ça fait longtemps qu'on ne s'est pas revu. Oui, comme le rock pur et dur est très codé il faudrait que change un peu mes habitudes. Par exemple il ne faudrait pas que j'arrange et que je produise ce disque moi-même. Mais sinon je pourrais le faire. J'ai les titres universels qui s'y prêtent et je suis le seul à pouvoir le faire en français.

Si ce disque sort il ira de paire avec de la scène ?
Pourquoi pas.

La rumeur va replaner ?
La rumeur va replaner parce que maintenant il faudrait absolument que je passe à l'acte avant d'envisager continuer à faire de la musique.

Ce passage à l'acte vous semble possible ? Je veux dire : après tout ce temps passé sans vous confronter directement au public, tout ça ne risque-t-il pas d'être trop violent pour vous ? Trop violent et trop décevant pour vous comme pour votre public qui s'est construit l'image d'un Manset distant, abstrait, fantasmatique ?
Non, je suis peut-être complètement dans le délire, mais j'ai l'impression que je peux facilement passer de l'un à l'autre. La difficulté vient plutôt d'une histoire d'âge, de fatigue, de lassitude. Et du fait que je m'interroge trop sur l'utilité de tout ça.

Quand même : je repense au retour scénique de Polnareff. Pour lui ça a été dur et chargé émotionnellement. Quelque part, en revenant ainsi, il faisait face à son mythe et au risque de le casser. Mais lui avait déjà fait de la scène. Or vous c'est pire, vous n'en avez jamais fait. L'idée d'en faire a donc, je trouve, quelque chose de "suicidaire".
Non, mon seul problème c'est mon problème avec le public. Je ne sais pas si la plupart des artistes ont un ego démesuré, mais ils ont un ego et ils sont très heureux d'être sur scène. Or moi mon problème c'est que je n'ai vraiment pas envie de jouer ce rôle-là. J'adore faire de la musique, j'aime beaucoup chanter, je peux passer 24h dans un studio à refaire un mix des milliers de fois sans voir le temps passer, mais me retrouver sur scène avec cette rangée, j'allais dire de légumes, ce n'est pas péjoratif, mais cette rangée de gens neutre et inerte devant moi, non, il ne faut pas que je vois ça. Je suis très dérangé par ça.

Mais je sens que ça vous tente. Je vous sens avide de nouveauté, je me trompe ?
Non, je suis effectivement avide de nouveauté. Mais tenter cette expérience scénique en France ne m'amuserait pas trop. D'un autre côté à l'étranger personne ne parle français, donc je suis un peu mitigé. Il faudrait que je ne me pose pas la question.

Il faudrait vous lobotomiser une part du cerveau !
Me lobotomiser une part du cerveau, c'est exactement ça. "Gérard, tu t'assoies là, on viendra te chercher quand ce sera l'heure." C'est ce qu'il se passe pour tout le monde ! A part des pirouetteurs comme Claude François, beaucoup d'artistes de talent sont dans cette faculté d'abandon. Il y a un moment, il faut les diriger comme des enfants dans une sorte de colin-maillard. Or moi je suis seul, indépendant, donc c'est beaucoup plus problématique. Je n'ai pas trouvé la personne en qui j'aurais assez confiance pour être pris par la main. Et même si cette personne existait, ça ne marcherait pas parce que je ne suis pas assez inconscient, j'ai toujours ces deux moitiés de cerveau.

(Suite.)

Rhâââ Lovely

La semaine du lundi 17 novembre, en plus de prendre un pied fou au concert du jeune néo-zélandais Liam Finn, j'ai remis ça le lendemain en voyant La Féline live. La Féline, c'est un trio réuni autour de la grande Agnès Gayraud, qui n'a rien de la Grande Sophie. Et à mon humble avis, La Féline, qui n'a rien à voir avec le bar du même nom, c'est le groupe qui monte en ce moment à Paris. Nul buzz louche là-dedans, mais juste la grâce d'une musique, une sorte de "cold folk", dixit leur batteur, qui enchante toutes les salles où ils passent. Jeudi 20 novembre ils étaient à L'international. Je vous raconte ?

C'est la première fois que je me pointe dans cette petite salle parisienne qu'on dit avoir le vent en pop, au point de détrôner la Flèche d'or. J'y suis pour La Féline. Et je pense à David Hallyday. Oui, je sais c'est horrible, mais comme à chaque fois que je vais voir un groupe dont je suis proche musicalement et amicalement je pense à Hallyday fils et son tube "Tu ne m'as pas laissé le temps (de te dire tout c'que je t'aime tant qu'il est encore temps)". Parce que voilà le temps passe et je n'ai toujours pas parlé de de ces groupes amis comme La Féline. Pourtant Dieu sait que je les aime. Des raisons à ce silence, je pourrais en fournir des tonnes, dire par exemple qu'il y a tellement de disques qui me plaisent, que les journées ne durent que 24h, que je suis avant tout journaliste, pas bloggueur, et que c'est tellement plus facile de parler des groupes confirmés, de parler des groupes qui ont déjà sorti un disque et qui évoluent loin de moi, en Angleterre, aux USA, etc. plutôt que de parler des groupes qui sont sous mes yeux, à deux pas, tous ces petis groupes sans disques et sans label que les magazines papiers délaissent pour la sacro-saint actu de l'industrie. Ah l'actu, l'industrie, toujours l'actu, l'industrie. Mais la vie, la vraie, qui en veut ?

Ce soir, alors que je fume une clope avec eux sur le trottoir (une clope qui a le goût de la clope après l'amour). Je sais que cette fois c'est la bonne. Je vais parler d'eux. Réparer mes torts. Parce qu'ils viennent de donner un concert propre à balayer toutes ces broutilles d'obstacles et qu'il y a Parlhot. Oui, je sais qu'en rentrant chez moi je fais enfin parler de mes amis musiciens. Et plutôt trois fois qu'une. Parce qu'en plus d'Agnès Gayraud (singer/songwritrice) et de Xavier Thiry (claviériste), La Féline compte à la batterie l'ami Stéphane Bellity, aka Ricky Hollywood et leader de Poster Moderne, et à la deuxième guitare l'ami Jérôme Pichon, aka Scott Of The Antartic et leader de Bellegarde. Ah et je ne vous ai pas dit ! A ce concert un ami m'accompagne. Il s'appelle Julien alias Juko et il fait lui aussi de la musique et de la bonne.

Bref, insatisfait chronique (ou perfectionniste), Stéphane déplore comme à son habitude que le set n'ait pas été tout a fait carré. Moi je n'y ai vu que du feu. Et ne suis pas le seul. Le public était tellement en osmose qu'il a vu des choses. Certains ont trouvé que ça sonnait parfois comme Portishead (pas faux, même le chant d'Agnès a quelque chose de la cristalline froideur des vocalises éplorées de Beth Gibbons). Celle-ci jubile qu'une spectatrice lui ait même confié avoir senti un côté Siouxsie dans La Féline. Et c'est vrai qu'il y a de ça dans la jeune femme et sa musique. Derrière un côté simple et chaleureux, se cache une profondeur cold, perchée, hypnotique. De l'élégance et du fantasme.

Fruit de l'expérience acquise sur scène (couronnée dernièrement par une première partie d'Alister à la Cigale), du travail actuellement passé en studio pour coucher leurs morceaux sur bande et du récent départ de leur deuxième guitariste (qui a donné plus d'importance aux atmosphères de synthé), leur musique n'a jamais dégagé autant de personnalité. Doté d'une aura plus sombre, psychée et capiteuse, les anciens morceaux folk western à la Morricone comme "La Passegiata" et "Mystery Train" (qui plairont aux Inrocks, France Inter et Télérama) et les nouveaux, le krautrock "Il est comme le vent" et le dansant "These Are Boys", ont mis en évidence un univers affirmé, mis en lumière par une superbe reprise du "Into The Night" de Julee Cruise, chanteuse fétiche de Lynch et Badalamenti (Blue Velvet, Twink Peaks, Lost Highway).

Et quand Agnès bougeait (ce qu'elle fait bien, attention les yeux), avec des gestes graciles un peu arabisants et azimutés à la Diterzi/Ringer, pris dans un film sans nom, je me disais que cet auto-déclaré "Cat-sized power trio" commençait vraiment a être affûté. 22h30. J'ai écrasé sur le trottoir cette clope qui avait le goût de la clope après l'amour. J'avais vraiment envie d'écrire et de tenir bientôt le premier album de La Féline pour pouvoir l'écouter seul dans ma chambre les soirs où aucun concert digne de ce nom me pousserait dehors.

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Photo de La Féline par jeanfrançois